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论中西绘画形式美的差异

[来源:艺术中国]  [2013/4/25]
改革开放的大潮促进了中西方绘画艺术的交流与了解:西方当代著名画家纷纷来华讲学;各地国际互联网的相继开通,又使许多人坐在电脑旁就能博览世界各国的优秀美术作品;西方不同时期的油画原作也不断走进国门,在各大城市的美术馆、展览馆、博物馆频频露面,与中国传统国画分庭抗礼……一派热闹景象。面对中西方各色各样的绘画作品,引起人们许许多多的思索。

世界屋脊青藏高原把中西两大民族群落隔开。由于生存环境的迥异,形成了游牧和农耕两大主要的生活方式。随着历史的变迁,渐渐产生了审美意识、美学思想和表达形式上的差异。双方在各自不同的历史文化积淀的土壤上祖祖辈辈耕耘,偶有往来,相互影响,在互相启迪和交融中齐头并进。而其主流依然保持着自身的特色,形成了艺术领域中中西两大景观。对照中西绘画,研究并归纳其形式美的差异,无疑能为弘扬中国传统绘画起到积极的作用。

笔者不揣浅陋,试从形式美的要素、规律、价值和发展四个方面对中西绘画形式美的差异略作探讨。

一、形式美的要素

西方绘画的产生直接受到建筑和雕塑的影响。在建筑设计中,尺寸的数据、支撑的结构、门窗的采光、材料的选择等等体现了数学、力学、光学及材料学等各类学科的综合。因此,对绘画形式美的探讨也有赖于科学的研究,而地中海、大西洋沿岸的美丽自然风光及西方人块面明确的形体结构特点对形式美的发展也产生了一定的影响。这样就形成了西方绘画形式美构成的要素侧重于体面、光影、色彩、空间、量感、解剖结构、透视等物体的外部特征和内部理性规律。
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中国古代书法无疑对绘画产生了深远的影响。古人对点线的体验和感悟,上下求索了几千年。而举世闻名的丝绸和瓷器这一软一硬具有流动性的质地在日常生活中长期而广泛的渗透,也在一定程度上影响了中国人的审美情趣,使画家们更钟情于线这个抽象形态。纯粹的点和线在客观物体上并不存在,是画家对物体主观感受和理解的结果,是对物体的概括和提炼。道家认为“大象无形”、“五色使人目眩”,这就更使人们产生对事物外部直观形象的淡漠而注重内在本质规律的感悟(宇宙的律动、生命的气韵),及对黑白墨色的酷爱和对色彩的冷淡。传统文化这种对于主体精神的偏重,决定了绘画形式美的构成要素侧重于点线、色(固有色或黑白墨色,而非“色彩”)质、气韵等抽象形态和内在感受。

二、形式美的规律

纵观中西方自古至今的绘画作品,其形式美的规律在许多方面是一致的,但在某些地方也明显地呈现出不同的倾向。在中国,形式美是表达对客体主观感受所需要的语言形式的规律;而在西方,形式美往往就是主体所认识的客体外部形态特征和内在的理性规律。这主要体现在以下几方面。

(一)明暗结构与笔墨气韵

西方绘画源于具有体积和空间的建筑和雕塑。由于光的作用,在具有体积和空间的物体上产生亮部和阴影,从这里人们发现了“明暗五大调”这个直观的现象。五大调在绘画中的运用,解决了二维画面上表现三度空间感的难题。在不断的实践中,画家们又发现了光照在千姿百态物体上所产生的变幻无穷的光影具有整体、和谐、节奏等更加深层的美的规律。而解剖学和透视学的发展和应用,使画面上的体积感和空间感更为准确、真实。文艺复兴盛期的达·芬奇在肖像油画中把解剖结构和明暗光影加以完美结合,对古典写实绘画产生了重大的影响。其代表作《蒙娜丽莎》就是通过对主体脸和手等部位内在结构及外部光影的深刻理解,从而准确地抓住了人物内在精神气质和微妙的外部表情,成为传世之作。

而在中国传统绘画中,笔墨是画家主体精神的奴隶。笔指线条,是带有主观情感的抽象形态。吴作人言“线有来龙去脉,起伏显隐。线要有轻重、回转、虚实,体现出韵律和生命的流动以及热情的奔放,不要把勾线理解成为一个没有感情的线框。”(见《吴作人文选》)墨指墨色,所谓“墨分五色”并非指物体在光作用下产生的色阶,而是为了渲染画面气氛所需要的主观墨色层次。人们对于笔的这种粗细、浓淡、轻重、快慢、虚实、长短、刚柔、滞畅等客观属性的理解明显地带上了画家主观因素,从而使笔墨产生抑扬顿挫的情感色彩。而通过疏密安置、综合穿插、对比应用、主次搭配等人为的组合,又使笔墨之间产生生动的气韵和优美的节奏,为表达自身的思想感情服务。

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